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A Day, A Family & The Night
A Day, A Family & The Night (2020) es el álbum debut de Plágaros, publicado el 28 de Febrero de 2020 de género Art Rock. Es un álbum en forma de diario con tres capítulos, el día, la familia y la noche .
‘A Day’, el primero de ellos, es el relato musical del amor puro en un verano inolvidable y de la complejidad de sentirnos distintos en la vida. Mediante la canción ‘Superman’ se da paso a ‘A Family’, el segundo capítulo del diario. Este habla metafóricamente sobre dificultades e inquietudes en el entorno familiar, pero también del cariño dentro de él. Finalmente, la canción ‘Maxim’ da entrada a ‘The Night’, el último capítulo que muestra la cara más artística de Plágaros cantando mediante cuadros, libros y toques de folclore a los sentimientos más oscuros además de a los más pasionales con la catarsis emocional del último tema, ‘Lullaby’.
Canciones del album 'A Day, A Family & The Night'
1. The Tiniest of Ideas
La única manera de alcanzar los sueños de cada uno es aferrándonos a ellos con toda nuestra fuerza. Son pequeñas llamas rodeadas de tempestades que tenemos que proteger fuertemente entre nuestras manos para que nunca se apaguen. Solo así, y solo quizá, llegaremos a hacerlos realidad.
Esta canción tiene algunos de los elementos musicales más importantes de Plágaros. El sonido grave que irrumpe en la canción en el segundo 00:35 es el mismo elemento que mueve Requiem of an Identity o que salta como un relámpago en el interludio que lleva al estruendo final de Eva, Fierce & Calm. Es el sonido del legendario Moog Taurus, un sonido que nos persigue durante los años y que siempre intentamos recrear con cualquier sintetizador que tengamos a mano. Además de este sonido, cabe destacar entre estos elementos importantes el ruido (1:05) que utilizamos a lo largo de todo el disco, o los sonidos de sintetizadores al más puro estilo Sci-fi de los 80’ (0:24) y el efecto acuático del delay del final que nos acerca a lo onírico (1:10).
2. Young Hopes
LETRA AUDIOS AISLADOS VIDEOCLIP
Young Hopes es una canción que habla de aquellas personas a las que los malos momentos de la vida no pueden tocar y que siempre nos ayudan con esperanza desinteresada. Cuando compusimos la canción imaginábamos la vida como un túnel con lo bueno y lo malo, y sobre él, estas personas volando sin que nada de ello pudiera corromperlas.
Young Hopes comenzó a escribirse a partir del estribillo y esto derivo en que de manera natural tendiésemos a ir hacia lo delicado en torno a él. El carácter musical de esta canción con altibajos tan fuertes fue bastante complejo de traducir a la voz por su dinámica y diferentes técnicas vocales.
Aquí entra uno de los elementos a los que podemos poner nombre y apellidos que más nos ha inspirado para este disco, la canción ‘Sebastian’ de Steve Harley & Cockney Rebel, de la que sacamos un ligero efecto de ‘phaser/chorus’ para la voz que se encuentra, además de en esta canción, en canciones como ‘Maxim’ o ‘Pacheco’.
Otro elemento a destacar es cómo apoyamos el último estribillo con una sección de vientos orquestales al más puro estilo cinematográfico.
La letra, además de la temática propia de la canción, introdujo el elemento amoroso. Es una canción muy especial, ya que está dedicada a Amaia Ugarte, la artista que ha creado el mundo fotográfico que rodea el álbum.
3. Old Maui
Old Maui comenzó a componerla Jon después de un verano magnífico de fiestas, comidas, buenos vinos y amoríos. La letra es bastante literal, ya que habla de o se sitúa en las experiencias que vivimos en ese verano. Es una canción con un estilo que salta entre el funk y el dance con guitarras inspiradas en falsetas de guitarra flamenca y un aire muy Miami Vice.
El título viene de una vieja saloma llamada ‘Rolling Down to Old Maui’ que cantamos con los amigos en noches de fiesta y el estribillo nos invita a ir a La Vieja Maui en una alusión a juegos sexuales.
4. Stop
Stop es, después de Old Maui, nuestro pequeño homenaje a los 80’ y al género vaporwave, el primer género musical en la historia nacido en internet. Comenzó siendo una canción que hablaba sobre una discusión de pareja en la que a una de las partes le indignaba el amor incondicional que la otra parte sentía por la música disco de los 80’. El tema y el género fueron los pilares sobre los que empezamos a crear la canción, aunque el resultado final sea simplemente indescriptible.
Es una de las canciones con mayor trabajo de producción del disco. Tiene desde sonidos de apertura de latas de Pepsi, pasando por el sonido del gas de la lata en la parte baja, guitarras que suenan con la reverberación de un supermercado o sonidos de cintas de supermercados de los años 90’. Una delicia en los conciertos. Aritz está deseando ver al público aullar.
5. Superman
Superman la comenzó a escribir Aritz a partir del ritmo tribal incesante que envuelve la canción, prácticamente, de principio a fin. Después de darle unas vueltas al proyecto y de lograr finalizar la base rítmica introdujo el bajo distorsionado del estribillo (si, es un bajo, no una guitarra) y guardó el proyecto con el nombre ‘rítmo tribal’ no muy seguro de cómo podría incorporar una canción así al disco. Las dudas de Aritz las aclaró Jon introduciendo una guitarra que, junto a la voz aguda, convirtieron a la canción en una especie de canción de ‘Epic Lo-Fi R&B’ raro con toques a King Crimdson… o algo por el estilo.
La letra habla sobre la dificultad de triunfar siendo distinto en un mundo en el que se premia tanto el perfeccionamiento de la repetición de lo correcto. Tiene uno de los solo que consideramos más únicos del disco.
6. What You Wanted
Esta es la canción más Pop del disco, y lo es porque esconde un doble significado secreto en su estilo. Comenzó a escribirse a raíz de la melodía principal del estribillo que buscamos que fuese lo más alegre posible para acentuar ese doble significado. Aun haciendo una canción Pop, quisimos introducirle el toque Plágaros mediante soleos de guitarra a toda velocidad en el estribillo final. Es bastante audible.
La canción habla sobre una persona que acepta que otra le ha dejado plantada y decide ser feliz y continuar con su vida. ¿Es esto lo que querías? Pues aquí lo tienes.
7. Love Bounds
Love Bounds es una canción compuesta con la guitarra, la voz y la batería como pilares. La letra habla sobre como en una vida de estrés y ajetreo realmente lo que necesitamos para superar estas situaciones es el cariño, la amistad y el amor. Se repiten de nuevo las influencias flamencas en el solo de guitarra y ha sido arreglada con multitud de sonidos y paisajes sonoros para representar el tiempo. Ese tiempo que corre tan rápido.
8. Maxim
LETRA AUDIOS AISLADOS VIDEOCLIP
Maxim es un cocktail entre ametralladoras automáticas, películas de Gaspar Noé, el puntillo del vino y La Casa de Bernarda Alba. Habla sobre un imaginario violento de disputas.
La música de esta canción se podría decir que está inspirada por un escenario de teatro con aires barrocos y un olor pestilente a drama. Comenzamos a escribirla a partir del riff de guitarra principal de Jon. Llevado por su gusto por los silencios, Jon se inspiró en el trap para formar la rítmica principal de la guitarra. Si escucháis con atención el ritmo, rápidamente os daréis cuenta de que es uno de los ritmos más genéricos del trap aplicados al rock. Tras el riff de guitarra, avanzamos a componer y producir las baterías influenciados por baterías de rock como Christoph Schneider, Rick Allen o Phil Rudd, además de por artistas de música electrónica como Martin Rev.
El solo de guitarra y la línea de bajo curiosamente fueron unos de los pocos elementos improvisados de la canción y después de ellos llegaron los arreglos.
Aquí entraron elementos que dieron el aura barroca a la canción. Aritz introdujo el clavecín y, más tarde, los campanazos finales y Jon compuso el interludio de la canción haciendo que sus guitarras recordasen a unas campanas tañendo en una iglesia.
9. Eva, Fierce & Calm
Fue escrita con una imagen evocadora en mente que meses después de haberla escrito nos daríamos cuenta de que había inspirado a un gran número de artistas. La imagen de una mujer desnuda fumando en una ventana después de mantener sexo. En este caso la imagen va más allá y habla sobre esta escena en la guerra civil española y sobre como el bombardeo nocturno de Granada ilumina el semblante de esta mujer que desde la lejanía de la montaña observa el infierno de la guerra. No es una canción histórica ni política, es puramente emocional y dedicada a la situación que envuelve a los amantes en la estancia.
Como elementos musicales a destacar, están el estilo vals de la guitarra, el sonido distorsionado de los estribillos (que es un bajo que simula el ruido de las bombas cayendo sobre Granada) o el ruido constante del sintetizador, prácticamente inaudible, que en el interludio de la canción crece hasta ser lo único que se oye junto con la voz antes de que arranque el último estribillo.
10. Pacheco
Pacheco es una canción inspirada en el cuadro de Julio Romero de Torres llamado Cante Jondo. Somos unos enamorados de Andalucía y desde el primero de nuestros viajes a la ciudad de Córdoba visitamos el museo de Julio Romero de Torres por el impacto que su obra causo en nosotros. Al subir unas escaleras al segundo piso el drama del cante hondo te golpea con una belleza totalmente dolorosa. El cante hondo o cante jondo es el cante más oscuro y respetado dentro del flamenco. Es un cante pausado y hablado desde el alma que canta sobre los dolores más íntimos y puros. El cuadro ‘Cante jondo’ expresa exactamente ese dolor. En él se representan los celos, el amor, el desamor, la muerte… No hace falta más que ver el cuadro para que te inunde y quieras sacar algo de él.
Para más información, leer la respuesta a la carta de Susana en nuestro blog o en el siguiente link: ¿Qué os inspira?
11. Requiem of an Identity
Requiem of an Identity habla sobre la perdida de identidad en la época del internet. Todo esto en forma de un relato en un paisaje bélico con personajes que llama a la esperanza. Empezó a componerse a raíz de una melodía con el bajo inspirada en Only One de Kayne West con Paul McCartney. Si hablamos sobre la letra nos encontramos con una canción esperanzadora. Hay un elemento que nos gustaría señalar, la frase ‘Is it true that the fire that devastates a forest is good for it to grow stronger?’, que surgió inspirada por un texto (LA BONDAD) en el primer cuaderno de ‘Para Nacer he nacido’ de Pablo Neruda en el que habla sobre que la bondad también se encuentra en el fuego que quema un bosque para que los arados puedan labrar una tierra.
Musicalmente se oyen muy nítidamente elementos característicos de este álbum. El sintetizador de graves Taurus, el bajo ocupando labores más melódicas que de acompañamiento, las voces ‘blancas’ corales en el estribillo…
12. Lullaby
Lullaby es para nosotros lo que los griegos llamarían catarsis.
Es una canción definitivamente épica y progresiva que se ha cultivado durante muchos años. Hemos escrito 3 Lullaby. De hecho, esta última versión comenzó llamándose ‘Lullaby parte 2’. Existe una canción inicial que llego incluso a grabarse en un estudio profesional, una segunda que ya cuenta con el solo de esta última versión y una tercera a la que se le recompuso la parte inicial hasta el solo para introducir el elemento flamenco y la letra final.
La guitarra de esta canción, hasta el solo, la grabamos con ‘La Buhonera’ y una guitarra acústica. ‘La Buhonera’ es una guitarra flamenca que un amigo escocés tremendamente generoso le regaló a Jon tras pasar unas navidades juntos.
La letra de la canción habla sobre una persona brillante a la que persiguen sus fantasmas. El solo representa su liberación final y la liberación de la persona que está escuchando el álbum.